Cambio de chaqueta

Concierto de Slogan

2010-03-10T02:39:00.000-08:00

La cita tendrá lugar el 16 de abril en la Sala Arena Rock, situada en la plaza Utrillas de Zaragoza.

Slogan -Tête de la course EP (2009)

2010-01-11T09:13:00.001-08:00

Primer Ep de este grupo de Zaragoza... ;)

Descárgatelo aquí!

Alaska In Winter -Holiday (2008)

2009-11-02T12:36:00.000-08:00

Ya sé, ya sé... con esta portada lo último que te apetece es averiguar qué es esto de Alaska In Winter, pero desde los primeros segundos de escucha de Holiday, te quedarás cuanto menos expectante a la par que atrapado en su universo sonoro con predominantes vocoders, sintetizadores minimalistas, melodías elegantes, nostágicas... Sin darte cuenta habrás emprendido un viaje de la mano de Brandon Bethancourt, el cerebro que insufla vida a este proyecto, y te resultará difícil darle al pause y mucho más al stop.

La historia de este tipo se asemeja bastante a la de Bon Iver; Un día decide irse a una cabaña de Alaska totalmente sólo, llevando consigo un laptop, un órgano y un equipo de grabación, y de esta solitaria inspiración nace su anterior disco, Dance Party In The Balkans. Primer trabajo bastante laureado, quizá en su empuje algo tuvo que ver la colaboración de su amigo Zach Condon (Beirut) que le otorgó cierto renombre, pero no le resta ningún mérito como presentación. Aunque de similar sonido, aquí estoy para hablar de su segundo trabajo, que se centra más en la electrónica y el minimalismo, Holiday.

Como decía antes, este disco atrapa, buena parte de culpa la tiene el primer tema, We Are Blind And Riding The Merry-Go-Round, que se encarga de engancharte con un halo permanente de sutilidad bajo una cortina de voces, ukeleles y sintetizadores. Éste inicio puede ser un buen resumen de lo que supone Holiday: Voces con vocoders por los cuatro costados (pero eso sí, de una manera sutil y casi anestésica, sin llegar a saturarte nunca) y expresivos sintes y organos que parecen tener alma propia. Es curioso como transmite esa sensación gélida, quizá por las robóticas voces, por las armonías electro, por las bases saturadas...

El momento más intenso del disco que a buen volumen te puede hacer delirar se llama Berlin, el segundo tema, un homenaje a la ciudad que vió la grabación de este LP que bien podría haber sido el colofón final, pero Bethancourt decide que tengamos este subidón eufórico/nostálgico casi nada más empezar el viaje. No vuelve a recuperar el vuelo a esas alturas, pero en una misma clave musical le siguen el resto de temas con momentos realmente interesantes, como en Highlander, las somnolientas Streetgang pt.I y II que desembocan en una tercera parte de tema que parece sacada de universos ochenteros llenos de halógenos y colores láser primarios.

Donde más notamos la presencia del querido Condon es en Keep Your Boots Clean And Everything You Step On Is Dirt, y sobre todo Close Your Eyes, otorgándole un matiz más balcánico, o mejor dicho, más Beirut.

Entre la batidora de influencias de este tipo hay cosas como Antony & The Johnsons o Daft Punk, y la verdad es que si le echas imaginación y los mezclas bien, puede salir algo parecido a Holiday. También he de decir que al enterarme de que uno de sus grupos prefes es King Crimson me ha tocado la fibra sensible, volviéndome más vulnerable y permisivo ^_^

y aquí el señor tema:

Alaska In Winter BERLIN from Hari Ziznewski on Vimeo.

M83, un par de videos

2009-09-10T04:45:00.000-07:00

Otros que me tienen muy enganchado son los franchutes M83, y sin perder el hilo del post anterior, aquí os dejo otra versión muy interesante de Shadows, de Midnight Juggernauts, con toda la personalidad atmosférica de M83

Midnight Juggernauts Shadows ( M83 Remix ) from Clashproduction on Vimeo.

Y aquí un temazo de M83, el vídeo expresa un montón.

M83 We own the sky from Matei-Alexandru Mocanu on Vimeo.

Midnight Juggernauts - Dystopia (2007)

2009-09-10T01:32:00.000-07:00

Voilá! Aquí estoy tras un generoso parón sin actualizar el blog con mis chorradas. La falta de ganas ha sido el motivo de mi ausencia estos cinco meses, pero sé que el petit comité que de vez en cuando se dejaba caer por aquí me lo sabrá perdonar :)

Y voy a arrancar esta nueva etapa comentando un disco que me mantuvo totalmente adicto buena parte de este insoportable y caluroso verano, el Dystopia de los Midnight Juggernauts.

Es curioso mi enamoramiento hacia este trío australiano, pues ha sido muy tardío. Quizá la razón es que los relegué a un segundo plano gracias a sus paisanos Cut Copy, que hasta hace poco, siempre me atrayeron más. Las evidencias sonoras de Midnight Juggernauts con los "cutters" (llamados así en colegueo por los midnight, pues resultan ser amigos y colaboradores mutuos) son evidentes; practican un electro rock que actualiza y lava la cara a un sonido muy 80´s, en el caso de los midnight lo llevan a un terreno más galáctico/cósmico nebuloso, muy acorde con la foto de la portada, y no, no suenan horteras pese a ello.

Tardaron un poco en calar en el público europeo, pero finalmente fueron aclamados gracias a sus teloneos a Justice, la aparición en el recopilatorio Kitsuné, o sus colaboraciones con !!! o MSTRKRFT. De esta manera se abrieron un hueco dentro del panorama electrónico, pero no son electrónicos como tal. Estos tres tipos son basicamente sintetizador, bajo/guitarra y batería, y en sus influencias seguro que se encuentran Bowie, Depeche Mode o la E.L.O. y los podemos emparejar con sonidos actuales como Justice, Air, Minitel Rose o incluso Daft Punk en el repetitivo tema Tombstone (por eso mismo quizá es de los que menos me gusta del disco).

Desprenden un aura oscura, ciertamente gótica, y que en contraste a este mismo sentimiento que produce, está concebida para ser llevada directamente a la pista de baile. Hay una serie de temazos dignos de destrozarte las zapatillas moviéndote como un energúmeno, aunque yo nunca he bailado; Nine Lives, Shadows o Road To Recovery son buena muestra de ello y por cierto, mis tres preferidas. Tres cañones.

Encontramos una similitud desbordante hacia Bowie en el muy digno tema Into The Galaxy, con melodías vocales que parecen firmadas por el Duque Blanco a principio de los ochenta. Hay lugar también para los respiros, como por ejemplo en la demasiado breve Worlds Converged, utilizando unas grandes melodías vocales como epicentro del tema, o como en la homónima Dystopia, con una sencilla pero brillante línea de sinte baladesco muy ochentero. Y quedando por detrás de estos dos temas, Aurora, tema que inevitablemente hace perder fuelle al final del disco, y que me quiere recordar a grupos que viven en galaxias diferentes, como No Man o los Porcupine Tree experimentales de finales de los noventa.

Ending Of An Era y Tombstone son los temas que se me quedan un poco más cruzados, pero vamos, que es un mal menor y desde luego merece la pena que le des unas cuantas oportunidades cuando quieras destrozar la noche.

A bailarrrrrr

http://www.youtube.com/watch?v=LtynjqYUOvk

Nick Drake -Pink Moon (1972)

2009-04-01T03:01:00.000-07:00

No es tarea fácil decidirse por uno de los tres trabajos del bueno de Drake. Quizás he escogido Pink Moon por la tremenda honestidad, sencillez y personalidad de la obra, y porque aparte es mi preferido. También decir que el tema principal del post sea este disco es una excusa para rendir mi pequeño homenaje a uno de los artistas más geniales relegados a un oscuro rincón de por vida.

Nick Drake fue un cantautor y músico folk inglés que apenas tuvo nada de éxito en su corta vida, pero que como ocurre en ciertos casos, ese reconocimiento llegó de manera póstuma bastantes años despúes tanto por artistas, críticos como por público en general, elevándolo a la categoría de artista de culto. Pese a ser multi instrumentista, Drake tocaba principalmente la guitarra.

Island Records, su compañía, quería que Drake promocionara su primer álbum mediante conciertos y entrevistas. El introvertido músico se negó a hacerlo. El segundo álbum todavía tuvo menos éxito que el primero, lo que provocó más depresión en Nick e hizo que se alejara más de sus amigos y familiares.

Parte de la culpa de ese fracaso era debida a la aversión que Drake tenía a tocar temas en directo y a ser entrevistado. El talentoso cantautor padecía una profunda depresión que nunca logró superar, llegando incluso a estar hospitalizado. Decía que no entendía el sentido de la vida. Tras la grabación de su último álbum Pink Moon, Drake se apartó totalmente de la música y se fue a vivir a casa de sus padres.

Murió a los 26 años a causa de una sobredosis de antidepresivos que tomaba para poder dormir, puesto que también padecía insomnio. Se supone que Nick debió confundir las pastillas e ingirió las que no debía. Siempre nos quedará la duda de si se trató de un suicidio o si se le fue la mano con la cantidad ingerida.

La compañía de discos no esperaba ningún álbum más de Drake tras su segundo álbum Bryter Layter, pero un día apareció Nick en la recepción de dicha compañía y dejó encima del mostrador Pink Moon, se dió media vuelta y sin decir nada desapareció. Fue grabado en dos noches y con la única presencia de Drake en el disco sin ningún tipo de acompañamiento mas que algún arreglo de piano realizado por el propio Nick en el tema homónimo. Nos muestra el trabajo más austero de su producción, y el más dolorosamente sincero. Tras grabarlo dijo: "No tengo nada más que decir".

Su tercer y último disco vendió todavía menos copias que sus antecesores. Y desanimado, Nick Drake dejó definitivamente la música. Irónicamente, en Fruit Tree, tema profético de su primer álbum nos canta: "La fama es tan poco sólida como un árbol frutal, nunca florece hasta que su tronco yace en el suelo".

Como decía antes, Pink Moon es un disco sencillo que no llega a la media hora de duración. Poseedor de unas serenas melodías vocales casi susurradas, con la única compañía de una punteada guitarra. Piezas hermosas y tristes (Place To Be, Parasite), también las hay insuperables (Pink Moon, Things Behind The Sun) que no necesitan de más adornos, lo cual nos hace comprender el gran talento que Drake poseía, con los mínimos elementos nos transmite y expresa una barbaridad. El otro día leí una definición de Pink Moon muy acertada que lo describía en dos palabras: Poesía esquelética, o dicho de otro modo, el esqueleto de una poesía. El autodidacta Nick usaba una afinación muy particular en la guitarra, utilizando afinaciones más altas en las cuerdas bajas que en las altas.

Las letras de Pink Moon nos hablan de la naturaleza (que tanto gustaba y había influenciado en Nick por la zona donde vivió), del amor, la incomprensión, la soledad... con un carácter otoñal y anhelante. En cambio, en el último tema del disco From The Morning, existe una luz esperanzadora que sale de la boca de Drake dejando un final abierto y optimista "Ví anochecer un día y era hermoso, y cayó la noche y el aire era hermoso".

Las cuatro últimas pistas que grabó en vida salieron a la luz muchos años después, tras grabar la música de éstas el productor le dijo: "Estás teniendo problemas con las palabras, ¿no?" y Nick respondió: "Sí, no puedo pensar en palabras, no siento ninguna emoción respecto de nada, no quiero reír ni llorar. Estoy insensible, muerto por dentro".

Pink Moon, obra eterna.

The Strokes -First Impressions Of Earth (2006)

2009-03-18T07:17:00.000-07:00

Algunos seguidores de los Strokes cuando escucharon este álbum pusieron muecas de decepción, comentarios acerca de la poca credibilidad que les queda como banda, que si no molan porque ahora los escucha más gente, que si han perdido el norte, bla, bla, bla. Absolutas chorradas.

Supongo que unas cuantas personas de las que afirman esto serán seres cuadriculados, buscadores de una copia de Is This It? o Room On Fire, y parece ser que la palabra evolución no tiene cabida en sus diccionarios. Este disco es simple evolución, ya está, no pasa nada. Lo vienen demostrando desde sus principios, los Strokes no son sólo un quinteto de niños pijos despeinados cuidadosamente que no se quitan las converse ni para dormir. Son cinco talentos que se han labrado el camino hasta llegar a ocupar el lugar que merecen, mostrando una sincera honestidad dando un giro de tuerca a su estilo, sin caer en la repetición que muchos esperaban. Y yo soy de los que piensan que ese giro era necesario.

Lo primero que cabe destacar de First Impressions Of Earth es su cuidada y perfecta producción, lejos del a propósito sucio sonido de sus dos trabajos anteriores que les otorgó contundente personalidad. Con FIOE mantienen ese aura crespada pero con una claridad y con una frescura superior.

En cuanto a las canciones encontramos energía, rabia, desasosiego... momentos muy bailables, grandísimas líneas de guitarra marca de la casa a las que ya nos tiene acostumbrados el señor Hammond, enérgicas baterías firmadas por el señor Moretti, bailables líneas de bajo, y sobre todo, la tremenda personalidad que derrocha la hastiada y cansina voz del cabezapensante Casablancas.
Abre el disco el hit más aplaudible para mí, You Only Live Once, magnífico y directo tema que nos engancha desde el primer minuto con esa pegadiza guitarra y voz. El single Juicebox (melodía inical muy similar a la serie de los sesenta de Batman) tiene un sello muy Strokes, Heart In A Cage es otro gran tema, aunque a mí me sobran algunas piruetas por el mástil (¿por qué será? :D) pero se les perdona por la tremenda parte central de la canción, cuando Casablancas entona eso de "all our friends they´re laughing at us (...)"

Razorblade lo considero un tema correcto con buenos momentos, la bailable On The Other Side tiene un comienzo memorable, y la desgana y personalidad que sale de las cuerdas vocales de Casablancas la sitúa en un extraño podio apático. La movidita y angustiosa Vision Of Division tampoco es moco de pavo. Nos dan un respiro con la sencilla Ask Me Anything para volvernos a hacer vibrar con Electricityscape. Killing Lies recupera un poco el clásico deje de sus trabajos pasados con una labor guitarrera tan sencilla como genial (hablo de ese dibujo que se clava en la parte central) apoyada con una incesante timbaleada que no para en todo el tema. Otros grandes títulos de este disco son Evening Sun y 15 Minutes, el primero maravilla con su sencillez y el segundo adquiere un toque dramático/festivo nada reprochable donde se pone de manifiesto el rumbo que está gestándose dentro de los neoyorquinos, que ya nos tienen con ganas de más desde hace tiempo.
¡En fin! catorce temas dan para mucho desmigue y desde luego que no deja indiferente escuchar este disco a buen volumen. No todo son temazos, está claro, pero mantiene un buen nivel y como chute de adrenalina moderada está más que bien. Así que, Joaquín, corazón... no lo dudes!

David Bowie -Low (1977)

2009-02-23T09:05:00.000-08:00

Muchas veces cuesta reconocer a la primera una obra maestra. Los caminos por los que te obligan a caminar los genios, en ocasiones enmarañados y difíciles, resultan necesarios para acercarte a la inmensidad creativa que existe dentro de sus cabezas. Una inmensidad que marea.

En el caso de Low, el genio Bowie no te lo pone fácil. Te obliga a caminar por paredes sónicas y marcianas, volar por esquizofrénicos y coloridos parajes, descender por ultratumbas depresivas y ambientales, y rodar por atemporales movimientos cíclicos que no hacen otra cosa que engancharte peligrosamente al primero y mejor de los tres trabajos que componen la llamada trilogía berlinesa de Bowie.

En el año que estalló el punk, el camaleónico artista se encontraba en un momento de desintoxicación de cocaína (para que nos hagamos una idea de su estado, él mismo reconoce no recordar la grabación de Station To Station) y decide coger las maletas e irse a Alemania. No es casual, en este momento le atraían mucho las corrientes alemanas y el kraut rock, los sintetizadores y la vanguardia; Neu! Can o Kraftwerk son grupos que en este momento apasionan a Bowie. Este viaje le sirvió también para escapar de toda esa parafernalia que su nombre representa, de la tremenda expectación que crea con cada cosa que hace. Ya había dejado atrás al cantautor folk de los sesenta, al andrógino y glamouroso Ziggy, al chico con deje soul de Young Americans, y una vez más, Bowie se adelantó a su tiempo y sorprendió a todos con este inclasificable, atemporal y radical disco.

Decisiva resultó la compañía que se agenció en este viaje berlinés con Robert Fripp y muy especialmente con el mesías del ambient Brian Eno, el cual influiría definitivamente en las composiciones más ambientales de Bowie. Tres genios de la mano, la cosa promete. El disco está fuertemente diferenciado de una mitad a la otra; La primera es la atemporal, la marciana, donde la creatividad de Bowie proyecta un espectro de colores jamás visto hasta entonces. La segunda parte del disco es la reposada, la instrumental, la que te lleva directamente a la meditación. Hay que tener el día adecuado o saber escoger el momento oportuno para asimilar esta sorprendente mitad-final de disco, si no, el susto puede durar tiempo.

Un inicio de disco marcado por la instrumentalidad de la mano de la sobresaliente Speed Of Life, y el primer avance de lo que supone en cuanto a riqueza en contenidos toda la obra, que te mete de lleno en la atmósfera que recoge Low. La breve Breaking Glass, obvia, sencilla y difícil por igual, el clásico tema que sólo Bowie puede hacer, dando paso al tremendo y esquizoide videojuego de What In The World. A estas prematuras alturas de disco andas desconcertado, sin saber qué pensar de todo esto, es entonces cuando la máxima genialidad llamada Sound & Vision nos eleva lo más arriba posible y empiezas a creer entender lo que Bowie se trae entre manos. Una vez más y sin lugar a dudas, asientes complacido, Bowie ha creado otra obra colosal.

Always Crashing In The Same Car es un medio tiempo marciano y baladesco de un nivel nada decepcionante para jugar con el resto de las titánicas piezas musicales. Be My Wife nos muestra de una manera más palpable los problemas personales de Bowie en pleno trámite de divorcio con su mujer de entonces. A New Career In A New Town es el ecuador de la balanza, la pieza instrumental que lidia con la primera parte del disco y la ambientación posterior. Canción que adquiere un toque más festivo del que podía tener en un principio gracias a la dulcificante armónica de Bowie.

Entramos de pleno en la segunda parte del disco, donde Eno se cruje los dedos para soltar todo un destello de sonidos y colores. Warszawa es la primera muestra de ello, la cual, adquiere una dimensión muy tribal y africana en el momento que Bowie mete esas voces que parecen una invocación a los espíritus más profundos de nuestro ser. Art Decade, Weeping Wall y Subterraneans, los tres temas finales del disco que cuesta separar uno de otro, contienen mucha información sonora e hipnótica, trío de atmósferas fuertemente influenciadas por las corrientes alemanas.

Cuesta mucho poner una fecha de grabación a Low, la atemporalidad de la obra es irrepetible y ciertamente sorprendente. Papá Pitchfork lo cataloga como el mejor álbum de la década de los setenta. Un disco inmortal que siempre sonará a nuevo. Abre la mente y disfruta.

Pulp -Different Class (1995)

2009-02-07T01:23:00.000-08:00

Es increíble la de cosas que te da tiempo a hacer un sábado por la mañana si no has salido el viernes por la noche; después de desayunar leyendo un periódico de hace dos días, recogerme el cuarto, hacer unos test de autoescuela y diseñar un par de personajes para una nueva historia que me traigo entre manos, me apetece darle fin a esta productiva mañana comentando uno de los grandes clásicos del pop, o por el sitio y el momento que les tocó vivir, del britpop.

A mitad de los 90, cuando en el Reino Unido el pastel de la gloria se lo repartían Blur, Suede, los recién llegados Radiohead y los cansinos hermanos Gallagher, aparecieron de la nada un grupo llamado Pulp, encabezado por un esmirriado tipo de pelo graso y de pose andrógina con un disco llamado Different Class que supuso una fresca patada en la cara a los acomodados reyes del britpop, y que con su inmediato éxito, no les quedó más remedio que hacerles a estos chicos un hueco en el pódium.

Pulp no eran para nada unos novatos a los que les había tocado la lotería, llevaban en activo nada más ni nada menos que desde 1978, pero ninguno de los discos que habían editado anteriormente les había otorgado ni de lejos la popularidad que les brindó Different Class. Disco tras disco, fracaso tras fracaso, fueron puliendo su estilo y dotando a sus composiciones su peculiar personalidad hasta llegar a la cumbre, este álbum.

Tremendamente influenciados por David Bowie, Roxy Music y The Smiths, Pulp nos ofrecen 12 temas que en su mayoría son auténticos hits (cuatro de ellos estuvieron en el top ten de las listas de Inglaterra y Europa) perfectos para pinchar en cualquier ocasión de ámbito festivo. La teatralidad, el histrionismo y el dramatismo casi susurrado en ocasiones en la voz de Jarvis Cocker se fusionaba a la perfección con las sobresalientes melodías de Mis-Shapes, I Spy, Pencil Skirt, la creepesca Underwear, Live Bed Show... sin olvidarnos de los temazos más bailables y emblemáticos del disco; Disco 2000 que parece plagiado del Gloria de Laura Brannigan, y la tremenda Common People, de los hits más destacados de la carrera de Pulp.

Different Class trata de los problemas cotidianos en la gente joven de clase media; el dinero, el sexo, las relaciones amorosas... quizá fue la razón por la que encajaron tan bien con la gente joven que se podía sentir identificada en muchas de sus letras. Cinismo, lujuria, engaños, mediocridad, vulgaridad... es lo que envuelve estas letras; Common People nos habla del deseo de una chica que quiere ser normal y hacer lo que la gente normal hace, a lo que le replica Cocker que nunca será normal. La apertura del disco con Mis-Shapes parece una declaración de principios, como un alzamiento de armas diciendo que el futuro nos pertenece y que la venganza será muy dulce. Merece la pena leerse una de las muchas webs que traducen las letras de Different Class.

En definitiva, un grandísimo disco de pop, de los que han quedado para la posteridad.

Devendra Banhart -Rejoicing In The Hands (2004)

2009-02-01T14:48:00.000-08:00

Artista integral. Detrás de esa imagen de neo hippie místico hindú, amigo de lo espiritual y naturista, del que te imaginas que en su dormitorio tendrá seguramente imágenes de Laskmi y Vishnu o en vez de mascota tendrá a Ganesha en su mesilla de noche, se esconde un talentoso tipo empapado de ricas y variadas influencias, desde los autores folk más clásicos, como Dylan o Nick Drake pasando por el folclore criollo y la música brasileña, con gente que le ha influido de manera decisiva como Caetano Veloso y Antonio Carlos Jobim. Y sin olvidarnos de las envolturas psicodélicas deudoras de Syd Barrett.

Devendra Banhart ha calado fuerte en los gustosos del folk, freak folk, psych folk, new weird america y todas esas etiquetas que acaban perdiendo a uno (a Banhart no le gusta que le cataloguen de folk psicodélico, él prefiere el término Hooba Goobla (¿?)

¿Razones por las que ha calado hondo? pues por la peculiar manera en la que canta, con su timbre y su inseparable vibrato, los modestos falsetes, la dulzura y la calidez en su voz que nos muestran preciosas y desnudas melodías sin artificios. Melodías en el estado más primitivo del ser humano que te llegan directas al corazón. Tan sencillas como brillantes, poseedoras de una belleza que te llega a emocionar. Esta particular genialidad le concede a Devendra un sello totalmente personal y que es la causa que rápidamente lo posiciona como uno de los artistas más prometedores y talentosos de la actualidad.

Devendra Banhart es como un resurgir del período hippie con una imagen renovada y fresca, empapado de mestizaje, mantra y surrealismo. Nació en Houston hace 27 años y su peculiar nombre fue dado por un místico hindú al que sus padres seguían. Devendra (que significa el rey de los dioses) ha tenido una variopinta vida que seguro ha determinado su estilo. A los dos años de edad se mudó con su madre a Venezuela, donde estas raíces quedarán plasmadas en su música más adelante.

Un país considerado de los más peligrosos de Sudamérica, hizo convivir a Devendra con las realidades sociales de su entorno más desfavorecido, aspecto crítico que desarrolló en clave de poesía urbana para alguna de sus letras. Más tarde, su madre volvería a casarse y regresarían a Estados Unidos, concretamente a Los Ángeles. Después de su etapa en una escuela de arte en la que pronto perdió la ilusión al encontrar un mundo artístico demasiado mediatizado y artificial, se mudó a París. Fue cuando se entregó por completo a la música sin dejar de lado la pintura, labor que sigue realizando en un segundo plano (la portada e ilustraciones de este disco son cosa suya). Malvivió dando conciertos en tugurios de mala muerte y creó una serie de maquetas grabadas con un 4 pistas y rápidamente llamó la atención de la discográfica Young God Records.

El hermoso disco que aquí voy a reseñar brevemente, que rajo más que en la Casa Magnética, lo componen 16 sensibles piezas que en rara ocasión van acompañadas de otros instrumentos que no sean su voz y su guitarra. Así de sencillo y directo. Devendra respeta el espíritu de grabaciones pasadas y otorga a la producción de este trabajo un aura sincera y con limitaciones técnicas que provocan una sensación frágil y emotiva. Acerca de los temas sólo puedo decir que la hermosura que prima en general lo convierte en disco indispensable.

This Is The Way nos abre las puertas de este ocre disco, y también las del corazón. Canción tan íntima que sólo le falta una manta y el chispear de una hoguera. La bellísima e imponente A Sight To Behold puede hacerte sentir pequeño en el universo, The Body Breaks te enternece con una cercana melodía llena de belleza. Poughkeepsie nos muestra una cara más esquizoide con hipnótica melodía. Dogs They Make Up puede recordarnos a una de las piezas musicales de Sonrisas y Lágrimas, aunque no sé hasta qué punto esto es paranoia mía. Tremenda también This Beard Is For Siobhan, de clave optimista y más animada de cara al final de tema. See Saw es una oscura tonada que trata sobre la muerte y también hay lugar para los temas instrumentales como en Tit Smoking In the Temple Of Artesan Mimicry.

La homónima es cantada por Devendra y su admirada Vashti Bunyan (una de las descubridoras de Banhart). La gran Fall, acompañada esta vez por percusiones y una de mis preferidas, la sincera y alegre Todos Los Dolores, con una letra cantada en castellano que todavía dudo si es efecto de algún psicotrópico o se trata de una broma simpática de este gurú barbudo.

La temática se centra en el amor, la ambigüedad, el misticismo, la humanidad y las cuestiones existenciales, poco o nada negativo encontramos en Rejoicing In the Hands, el propio Banhart nos dice; Detesto la ironía. Estos son tiempos cínicos, donde todo se toma a broma; el amor, la paz, la fuerza, la belleza, la divinidad... la gente se ríe de todo, estamos en la Edad Oscura". Pues ya lo sabes...

Ya tardas en escucharlo.

The Kinks -The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968)

2009-01-26T06:36:00.000-08:00

Ya tardaba en postear otro disco oldie... le toca turno al mejor y más bucólico trabajo de los Kinks que ya ha cumplido 40 añazos y que desde aquí quiero rendirle mi pequeño homenaje; se trata del gran Village Green Preservation Society. Este pastoral trabajo es un conjunto de hermosas melodías, elegantes juegos vocales y soleadas y nostálgicas reflexiones de corte conceptual acerca de las viejas costumbres británicas, la añoranza de personajes del campo y verdes escenarios rurales, de conversaciones y valores de la gente de antes en contraposición al progreso y al acelerado ritmo de vida moderno.

La alta calidad que prima en toda la obra, hace tarea casi imposible seleccionar un tema por encima de otros. Es el clásico disco redondo que tienes que disfrutarlo entero, desde el inicio hasta su fin, y que no entiende de canciones por separado. Quizá fue la razón por la que en su época supuso un fracaso comercial. Ninguna de las canciones se podía concebir o lanzar como single, ya que cada canción forma parte de un todo.

No cuajó entre la gente ya que era un disco tremendamente anti-moda en el año 1968, donde triunfaba el movimiento hippy y místico/experimental. Eso a Ray Davies, principal cabeza y compositor del grupo, le importaba un pimiento. Dejó de lado su faceta de sacar éxitos como churros (para lo cual tenía bastante facilidad) y decidió abordar este proyecto prácticamente personal olvidándose de los hits y de las listas de éxitos. Él mismo lo ha definido como el fracaso más exitoso de todos los tiempos. Y como se trata de un trabajo atemporal, los años han acabado dando la razón a Village Green y lo han posicionado en el lugar que merece, convirtiéndose en referencia de culto y hoy en día es un disco de obligada escucha para cualquiera que guste del pop inglés más sofisticado.

Demasiadas menciones especiales caben en este disco, desde la homónima Village Green..., Do you Remember Me, pasando por Big Sky, Sitting By the Riverside, Animal Farm, Starstruck... en fin, un compendio de temas de altísimo nivel que no merecen otra explicación que apagar la luz, tumbarse, darle al play a buen volumen y dejarse llevar por esas laderas y campos de la Inglaterra de principios del siglo pasado, admirando un panorama costumbrista donde las personas en sí tenían más valor que el consumo y que la maquinaria productiva. El mejor disco de los Kinks, sólo comparable al también magnífico Arthur.

Dale alguna escucha. Merece mucho la pena.

Persephone´s Bees -Notes From The Underworld (2006)

2009-01-23T01:41:00.000-08:00

Las mujeres con flequillo son mi debilidad. Pero no es la razón principal por la que comento aquí este bonito trabajo de pop rock; es cierto que gran parte de culpa la tiene la señorita Angelina Moysov, que con su timbre de voz te engancha desde el primer minuto y te invita a quedarte tumbado disfrutando de los bonitos y arreglados cortes que componen este disco. Con melodías nada despreciables y con una producción de esas totalmente nítidas, que aunque ahora mismo no sean las producciones que más ilusión me hacen, son perfectas para acompañar este tipo de música. Música que está totalmente envuelta en un halo de felicidad y optimismo. Ensoñadora y alegre.

La historia del grupo podríamos resumirla contando que Angelina Moysov, nacida en Pyatigorsk (Rusia) creció empapada de música en su casa, su madre tocaba el piano y música folclórica rusa y su hermano tocaba música moderna. Ella mostraba predilección por el piano. Emigraron a E.E.U.U. y en California formó la banda junto a Tom Ayres (guitarra), Mike Farrell (bajo) y Paul Bertolino (batería). El primer disco llamado City Of Love fue el causante de hacerles ganar el premio a la mejor banda de la bahía y fue nominado a mejor álbum debut en los California Music Awards, lo que les sirvió de llave para fichar por Columbia Records y sacar el disco que aquí comento.

Hay tiempo para todo en Notes From The Underworld; para el pop más sofisticado como podemos apreciar en Nice Day, que contiene un pegadizo estribillo tarareado muy 60´s, también como es de esperar cabe el rock más bailable con On The Earth o la excelente versión de Status Quo, Paper Plane, otorgándole una dimensión más fresca y actual. También hacen guiños al sonido de los 50 con Climbing que, con otra producción de sonido y otros instrumentos, podrías meterlos en el saco de Motown y asociar el delicioso estribillo a Diana Ross o a las Supremes.

Por supuesto que también hay bonitas baladas, como demuestra Walk to the Moon, medios tiempos dignos del rescate como Even Though I´m Fooling Around y Way To Your Heart, con unas guitarras que fácilmente podemos asociar al tema Red de King Crimson (??), y la canción de canciones; la más destacable del disco; Muzika Dlya Fil´ma. Supongo que cantada en ruso. Un tema rock con guitarras muy Shadows y base bailable que me parece ideal para escuchar viajando por carretera.

La verdad que podríamos decir que este disco ha pasado desapercibido para el gran público, pero no para los medios; City Of Love fue empleada en el cortometraje Hechizada y en una pasarela de moda. Nice Day se utilizó en un anuncio y en la red de hoteles Hilton, Queen´s Night Out sirvió de música para un anuncio de Gucci, Home se utilizó en un episodio de Los Soprano, y para colmo, Muzika Dlya Fil´ma aparece en el videojuego futbolero FIFA ´07

Escuchen y opinen.

The Breeders -Last Splash (1993)

2009-01-21T04:12:00.000-08:00

En pleno auge del lamentablemente desvirtuado movimiento grunge allá por principios de los 90, hubo una serie de grupos de segunda fila que si bien no golpearon tan fuerte como Alice In Chains, Soundgarden, Nirvana o Pearl Jam, consiguieron un más que notorio reconocimiento dentro de los círculos simpatizantes de dicho género.

Es el caso de los Breeders, conjunto de rock alternativo formado a principio de los 80 por las hermanas Kim (proveniente de los Pixies) y Kelley Deal. En esta prematura época el grupo era concebido como una serie de encuentros ocasionales que no acabarían de llegar a buen puerto hasta que Kim decició dar más vida a este proyecto en 1990 como válvula de escape creativa a la posible presión que puede suponer ser la bajista de los Pixies. Los Breeders ponen en práctica un rock con buenas dosis de grunge, garage y sutiles guiños al punk.

Las comparaciones son odiosas, pero para un seguidor de Pixies sería inevitable no comparar a éstos con los Breeders. En el caso del disco debut Pod el acercamiento a la banda madre era ciertamente notable, pasó desapercibido pero para muchos seguidores es el mejor trabajo del grupo. El siguiente disco, Last Splash, hizo cerrar más de una boca a quienes cuestionaban la integridad de este sucedáneo de Pixies llamado The Breeders.

El disco fue grabado en San Francisco mientras el grupo vivía en casas flotantes, y fue el responsable de llevarles a la fama con el pegadizo, sencillo y genial single Cannonball, con aquella curiosa línea de bajo que lo convierte en un tema tremendamente reconocible y que fue la causa de popularidad para el grupo.

El compendio de canciones de Last Splash mantiene un gran nivel; Los tremendos medios tiempos como I Just Wanna Get Along, Dou You Love Me Now (canción de desamores con gran melodía vocal) o la dulce Drivin´On demuestran el gran talento de la desapercibida bajista de Pixies, que como mucho realizaba coros con esta gente. También hay un hueco en este disco para las canciones instrumentales; la ruidosamente bailable Flipside, que bien podría aparecer en una película de Tarantino y la rabiosa S.O.S. El memorable bajo de Josephine Wiggs en el pixiano tema Hag nos demuestra cómo cinco notas son suficientes para matarnos de placer.

Invisible man es de mis preferidas, con acompañamiento de tremendos violines que si tienes un poco de imaginación y los traes al presente, podrías encajarlos en algún tema de Arcade Fire. La sonicyouthera New Year no se queda atrás, y otra de mis debilidades del disco es la grunge/hawaiana No Aloha. En fin... disco rico, rico.

Tras la grabación de Last Splash el grupo giró con Nirvana, lo que obviamente ayudó a las hermanas Deal y los suyos a vender dos millones de discos, tanta gira y estrés hizo que Kelley, la hermana de Kim, se enganchara a las drogas, teniendo incluso problemas con la justicia. Para colmo Josephine quiso alejarse de la actividad musical y se fue a vivir una nueva vida a Nueva York. Más tarde Kim formaría The Amps, pero eso ya es otra historia.

Unos cuantos años han pasado hasta que los Breeders se volvieron a reunir en 2oo2 con Title TK, y este año pasado regresaron con el flojito Mountain Battles. Lo que es obvio es que Last Splash no lo han superado y no creo que lo hagan ya. Last Splash, aparte de transportarme directamente a mis 14 años haciendo que me enternezca considerablemente, es uno de los mejores trabajos de rock alternativo de los 90, así que bien a gusto me he quedado compartiéndolo con vosotros en mi querido ropero ;)

Of Montreal -Hissing Fauna, Are You The Destroyer? (2007)

2009-01-14T00:19:00.000-08:00

Originalidad, frescura, colorido, dramatismo y humor de la mano del cerebrito Kevin Barnes, que es quien da forma a este proyecto musical sumamente interesante llamado Of Montreal. Los de Athens ya tienen una más que notoria trayectoria a sus espaldas y este difícilmente clasificable Hissing Fauna, Are You The Destroyer? es la cúspide más alta alcanzada hasta la fecha por el grupo, derrochando melodías, composiciones y juegos vocales sobresalientes en casi todas las canciones que lo componen. Uno de los mejores discos de 2007. Y además si le sumamos su bonita y cuidada presentación troquelada en digipack todavía gana más, convirtiéndolo en un tesorito para tu estantería.

Ya desde el optimista y eufórico inicio con la explosión de Suffer for Fashion nos podemos dar cuenta hacia donde tiran los derroteros de este genial disco. El perfecto empaste entre tema y tema te hace verlo más como una obra conceptual que como un disco con una serie de temas. Prima una alegría ciertamente melancólica, hay que tener en cuenta que en este disco Barnes habla frecuentemente de la ruptura con su mujer y sus pensamientos más íntimos, pero no hace un drama; lo envuelve dentro de una música llena de piruletas de colorines, juguetes, recreo y fiesta pop/disco/glam. Es curioso como una música tan vitalista puede convivir a la perfección con sentimientos así de melancólicos.

Sink the Seine es una wilsoniana y bonita melodía que da paso a Cato As A Pun, ésta parece ser una declaración de principios acerca de lo que ha cambiado respecto al pasado el señor Barnes. El genial y divertido single Heimdalsgate Like A Promethean Curse donde la teatralidad vocal de Barnes se apoya sobre una base pop bailable, nos habla sobre las drogas y sus ganas de romper con ellas pidiéndole a los químicos que no le taladren más la cabeza. Deliciosa melodía de sintetizadores que, aunque no se parezca excesivamente, siempre me recuerda a la melodía de Bricomanía, cosa que ciertamente me asusta mientras no dejo de mover las caderas.

Quizá mi preferida sea Gronlandic Edit, con una repetitiva línea de bajo muy funk y unas melodías vocales insultantemente buenas y originales, coqueteando con tonos altos y bajos a modo de montaña rusa que te pueden producir placentero vértigo. La simpática A Sentence Of Shorts In Kongsvinger con cierto aire al Bowie de Sound & Vision, nos habla de las noches en Noruega escuchando black metal nórdico, todo dentro de un halo de colorines y felicidad con reminiscencias brasileiras que nada tiene que ver con el ruidoso género en cuestión.

The Past Is A Grothesque Animal nos deja ver ya solo por el título que es donde más florecen los fantasmas del pasado de Kevin Barnes. Un largo tema de unos 12 minutos con una repetitiva pero excelente melodía instrumental que va añadiendo elementos a lo Brian Eno y en la que el propio Barnes poco a poco va cabreándose y/o excitándose conforme nos va contando sus peripecias tales como que se enamoró de la primer mujer con la que pudo hablar de George Bataille y de alguno de sus libros. Bunny Ain´t No Kind of Rider es un extraño y tremendo tema típicamente Of Montreal, con sus clásicas melodías que son firma de la casa. De los mejores del disco.

Los dos siguientes temas son los más disco-funk 70´s de Hissing Fauna y por esa razón, los que menos me gustan, sin desmerecer la parte central de Labyrinthian Pomp. Cierra el disco We Were Born the Mutants again with Leafling que bien si no conserva el nivel sobresaliente reinante en el resto del disco es una manera más que aceptable de decirnos adiós y dejarnos con ganas de más, de mucho más! Después de este disco, espero que la ex de Barnes le haya dado otra oportunidad, que se la ha ganado.

Super Furry Animals -Love Kraft (2005)

2009-01-07T04:11:00.000-08:00

Ole, ole y ole. He aquí una de las portadas más horrorosas del 2005 que para nada se corresponde con la maravilla que esconde dentro. Este disco es el punto de inflexión de los inclasificables galeses Super Furry Animals, un conjunto increíblemente creativo, sorprendente en cada disco y en constante evolución.

Es de esos grupos que, sin desmerecer a sus fieles seguidores, no logras entender por qué no son más famosos. Eso en cierta manera te molesta, pero también te reconforta... porque los hace más tuyos, más personales e intransferibles, con los que compartes momentos que sólo les pertenecen a ellos y a tí :)

Para este trabajo, SFA se alejaron de la presencia tecnológica y electrónica que reinaba en trabajos anteriores para mostrarnos con este Love Kraft una cara más luminosa, optimista, conmovedora y divertida. Aparcaron su temática política que aflora en discos anteriores para hablar, como dice la propia banda "de cosas como el amor, salir a beber, conversaciones entre dinosaurios o pedirle una cita a una chica". Todo esto surgió por la etapa optimista que vivía el grupo en el momento de componer las canciones, y ese sentimiento desde luego que lo transmite este Love Kraft.

Comienza el disco con un chapuzón de agua protagonizado por el guitarrista de la banda en una piscina de Girona (el disco fue grabado entre Cataluña, Gales y Brasil), bonita forma a modo de metáfora de sumergirnos en el universo sonoro de Zoom, uno de los temas más épicos del disco con acompañamiento de orquestaciones y coros dentro de un medio tiempo con una excelente melodía principal y apoteósico final. Atomik Lust es una bonita pieza en clave de semi-balada cantada por el batería.

The Horn es uno de los temas más festivos del disco, propicio para cantar en camaradería con unas cuantas cervezas de más y que parece evocar al Ray Davies más alegre de Village Green. Ohio Heat me parece el tema más sobresaliente del disco, con una excepcional melodía tanto de estrofa como de estribillo. Tremendo. Grandes arreglos de cuerda en la ensoñadora Walk You Home a cargo de Sean O´Hagan (The High Llamas) que ya colaboró con esta gente en trabajos pasados y que repite en varios temas de este disco.

Lazer Beam es un raro tema bailable que fue lanzado como single, cosa que no acabo de entender... ¡con la de mejores temas que podrían haber escogido! aunque hay que reconocer que es divertido. Sigue la increíble Frequency con unos tarareos inciales que me vuelven loco (como cualquier silbido o estupidez que se precie, es mi debilidad) seguido de una onírica y arabesca introducción que puede recordar al pasaje oriental del tema Kashmir de Led Zeppelin. Y culminando en un gran estribillo.

La estupenda e instrumental Oi Frango te invita a bailar con una base muy beat y acompañamiento de un taladro incluído. En momentos este tema tiene una esencia muy Low de David Bowie. Pscylone! con percusiones incorporadas me parece de las más flojitas, pese a eso, resulta ciertamente pegadiza. Back On a Roll es un gran tema beatleiano cantado por el guitarrista. Hacemos un pequeño parón con la melódica y tranquila Cloudberries con cierto deje experimental en la última parte del tema y como broche final la preciosa y más reposada todavía Cabin Fever, maravillosa pieza de piano que deja adivinar conversaciones de amigos por el fondo, arreglos de cuerda acompañando una preciosa melodía que parece sacada de una cajita musical de esas que llevan bailarina, y como colofón un pequeño y sentido arreglo de piano al final del tema. Chapó. No es que pierdan fuelle al final del disco con estos dos temas más tranquilos, si no que te dejan reposado y con una sonrisa en la boca.

De obligada escucha.

Comets On Fire -Avatar (2006)

2009-01-06T04:45:00.000-08:00

Retrocedamos treinta años en el tiempo e imaginemos que estamos presenciando un psicodélico, ácido, garajero, ruidoso y sudoroso ensayo de Blue Cheer, Cream, Jimi Hendrix o Hawkwind, por citar algunos de los sonidos que evocan estos californianos.

Sencillamente hacen eso, no intentan ni quieren renovar el sonido, no les interesa lavar la cara a los más representativos del rock ácido de finales de los sesenta, pero tampoco se consideran un grupo de revisitación. Si escuchas su anterior disco Blue Cathedral, te darás cuenta que existe una notable evolución en Avatar. Aquí encontramos un sonido más pulido y maduro, con más registros y a mi modo de ver, mejores composiciones.

Pero para encontrar esa esencia que comento hay que quitar el envoltorio al regalo; un envoltorio de densa distorsión y acidez acompañados de frenéticos ritmos de batería (ojito con la intervención de ese animal de las baquetas llamado Utrillio Kushner), rugidos de rabiosas guitarras y desgarradas voces como se demuestra en la excesivamente ruidosa Holy Teeth.

El gran tema que abre el disco, Dogwood Rust, quizá sea la mejor muestra a modo resumen de lo que practica esta gente, el rock ácido con repetitivas líneas de bajo sobre las que se apoya la impulsiva batería. Melodías vocales muy hardrockianas y blueseras, largas y complejas piruetas en el mástil de la guitarra que te hacen pensar que se trata más de una improvisación que de un tema en sí, pero si algo transmiten Comets On Fire en muchos casos es una libertad extrema en clave de jam session.

Aun así, no todo es aspereza psicodélica durante estas siete largas composiciones. El tremendo e hipnótico tema Sour Smoke, con un espíritu entre tribal y oriental es una muestra del cambio de registro que esta gente puede llegar a hacer. Cierra el disco Hatched Upon The Age, un gran tema que se aleja de la ácida distorsión y te envuelve en una bonita melodía de piano con una línea vocal muy bluesera dentro de un aura muy space-rock, con ciertos giros slide al más puro estilo Gilmour en la época del Meddle, desembocando en un precioso final de disco que fácilmente asociarías a unos Floyd post-barrett o incluso a Procol Harum en A Winter Shade Of Pale.

Si gustas de Hendrix, el space rock (Khan, Captain Beyond, Hawkwind) y sobre todo del garaje de Blue Cheer, no lo dudes. Si no, pasa de este disco.

Limousine -The Abyss You Can Reach With A Hand (2006)

2009-01-01T04:07:00.000-08:00

Muy de vez en cuando y con bastante menos frecuencia de la que me gustaría, algún grupo nacional me cala hondo. Limousine han sido uno de esos grupos. Cuando me enteré que estos tíos que podrías ubicar fácilmente en la psicodelia londinense de finales de los sesenta eran cordobeses me quedé a cuadros. Si no te lo dicen y lo escuchas por primera vez, simplemente por el sonido vintage cuesta creer que se haya grabado en 2006.

Se dieron a conocer en un concurso llamado Desafinado y el jurado contaba con miembros de Radio 3, gente de Los Planetas, el responsable del sello Acuarela, y gente del palo. Pues en mitad de la actuación decidieron aparcar los instrumentos y bajarse del escenario debido a las malas condiciones de sonido que ofrecía la organización recibiendo todo un compendio de burlas e insultos por parte de los asistentes. Abucheados simplemente por ser gente que exige un buen sonido y valora el cuidado por hacer las cosas bien, pero eso en España no se entiende.

Pese a ello, ganaron con un par de grupos más el concurso y eso les abrió puertas a grabar tres temas que dedicaron a promover llamando la antención entre otros del sello Mushroom Pillow, los cuales se encargaron de sacar su primer disco (que todavía no he escuchado). Posteriormente sacaron este segundo álbum que aquí comento.

Yo defino The Abyss You Can Reach With A Hand como un viaje, donde no falta ni sobra nada, donde Limousine te enseña su mundo interior y sus entrañas llevándote de la mano y mostrándote deliciosas melodías, dibujos lisérgicos, psicodelia hipnótica, invitándote a soñar e imaginar... haciéndote partícipe de su creatividad obligándote a desarrollar la tuya, porque esta música te propone sumergirte para que acabes encontrándote. Y para colmo es un doble CD, por si quieres que el viaje se haga más largo.

Hay temas muy sobresalientes como A Special Tenderness que fácilmente te puede evocar a los grandes grupos sinfónicos de los primeros setenta como Genesis o Yes. Match Point te hipnotiza con las repeticiones vocales durante toda la canción, la tremenda Shadowplay con esa gran línea de bajo, So Down, Surgery of a Dream... en fin, en este caso no creo que sea bueno desgranar cada tema, sino escuchar la Unidad y opinar por uno mismo.

Por cierto, Feliz Año : )

Bloc Party -Silent Alarm (2005)

2008-12-29T02:34:00.000-08:00

Bloc Party apareció de la nada en 2005 como grupo revelación con este Silent Alarm pisando fuerte y generando controversia; una gran parte cayó rendida a los pies de este cuarteto londinense por las grandes canciones que posee el disco, otra parte, sobre todo en los círculos superguays y modernos sabelotodo, los vió como el típico grupo de usar y tirar, uno de entre los muchos más que aparecen en el Reino Unido con un disco bajo el brazo y que resulta tener buena acogida pero que están destinados a desaparecer. Fama rápida y si te he visto no me acuerdo.

El tiempo y los posteriores discos han hecho como un híbrido de las dos opiniones; es innegable la calidad que prima en Silent Alarm, pero también es evidente que A Weekend In the City no está al nivel del primer disco, y mucho menos su último trabajo Intimacy. Eso es algo que tampoco veo que haya que criticar demasiado, pues pusieron el listón alto ya desde el principio y no siempre van a mantenerse a flote. En cualquier caso centrémonos en su música, que es lo único importante.

Kele Okereke (cantante y guitarrista) conoció a Russell Lissack (guitarrista) en el Reading Festival de 1999 y decidieron formar un grupo, más tarde se unieron a ellos Gordon Moakes (bajista) y Matt Tong (batería). Comenzaron los ensayos, maquetas, singles... y finalmente sacaron Silent Alarm. El nombre lo sacaron de un artículo de una revista científica acerca de los terremotos que se originarán en el futuro, y desde luego en el sentido metafórico iban bien encaminados.

Es un disco fresco, joven, rebelde, crudo y bailable. En su música encontramos influencias que van desde el post-punk (recuerdan en algunos momentos a Gang Of Four y a Joy Division) hasta el pop/rock alternativo (son seguidores de gente como Sonic Youth y Pixies), pero también encontramos un sonido actual y personal que predomina por encima de sus influencias, alejándose de la típica fórmula vendible para oídos gustosos del indie más accesible.

Las cuatro primeras canciones son las mejores del disco, cuatro hits en orden. Like Eating Glass, Helicopter, Positive Tension y Banquet. Imposible mantenerte quieto en la silla, bailables, complejamente (con j, no con t) sencillas y que cuentan con estribillos/explosiones de esos que te hacen esbozar una sonrisa. Mención especial a las originales y enérgicas líneas rítmicas de los señores Moakes y Tong. Si el disco hubiera seguido a este nivel hubiera sido tremendo.

Y digo hubiera porque a partir de aquí, pierde fuelle. Con Blue Light, aparece un parón entendible para dar un respiro después de la traca inicial. Simplemente correcta, y cuando parece que retoman el vuelo (She´s Hearing Voices) te das cuenta que se quedan a mitad de camino conforme avanza el tema. También nos regalan bonitas melodías de guitarra con This Modern Love o So Here We Are, pero a mí, alentado por los bombazos iniciales ya me sabe todo a poco, y no recuperan ese nivel en lo que queda del disco. Hay que resaltar también la voz dramática, desesperada y enérgica de Okereke, que sabe crear melodía sobre otras melodías con una intuitiva facilidad.

Algunas de las letras del disco tienen conciencia política como Helicopter o Price of Gasoline, cosa no muy normal entre tanto grupo con mensaje superficial a lo coolpartydanceyeah! (pero bueno, esta música está hecha para divertir y alegrar el día a uno, así que tampoco es algo reprochable).

Lo dicho, que no es un disco 10 pese a que contiene temas 10, te mantiene despierto y animado casi toda la escucha, y no cansa. Muy recomendable. Para días eufóricos entre semana.

Beck -Mutations (1998)

2008-12-22T01:47:00.000-08:00

Cierto es que tengo debilidad por los artistas que tienen tirria a cualquier tipo de encasillamiento. No siempre por intentar abarcar más estilos vas a conseguir un mejor resultado, es más, pienso que la mayoría que intenta abarcar todos los palos, acaba haciendo algo pretencioso y descafeinado. Poco creíble.

No es el caso de Beck Hansen, cierto es que no soy un devoto de Beck, pues reconozco que alabados discos de este chico de Los Ángeles como Odelay o Mellow Gold no son de mi especial devoción. Pero sí es cierto que estamos ante un artista íntegro. Creció escuchando música blues, estilo arraigado que empezó a desarrollar cuando los sintetizadores estaban en auge allá por mediados de los ochenta, siendo todo un chavalín. Se empapó del punk , el country, la psicodelia, el hip hop, la electrónica y el folk. Y aplicó (y aplica) una batidora de todas estas vertientes en cada uno de sus discos.

En el caso del que me dispongo a comentar, Mutations (mi preferido de su carrera), fue un álbum grabado en dos semanas. Canciones honestas y sinceras, desnudas y brillantes, sin mucho artificio tecnológico (aunque todo sea dicho, la producción corrió a cargo de Nigel Godrich, productor entre otros discos, de Ok Computer de Radiohead).

Parte de la frescura que transmite este disco quizá sea porque las canciones fueron grabadas en vivo con la banda que le acompañaba en sus giras. Mutations suena cálido, cercano, reflexivo. Es su trabajo más intimista. Predomina el folk y el blues (canceled check, bottle of blues, dead melodies) pero con un evidente toque moderno. Desde el inicio con Cold Brains, Beck deja claro que pone el listón alto. Incluso se atreve a coquetear con el tropicalismo (tropicalia) y con el misticismo de la mano de la preciosa Nobody´s Fault But My Own, pasando por la vodevilesca O Mania o la barrettiana Lazy Flies. Un disco muy completo en clave acústica. Es ideal para cocinar, no me preguntes por qué.

Y por supuesto, de obligada escucha :)

The Beach Boys -Pet Sounds (1966)

2008-12-19T05:15:00.000-08:00

Yo no voy a decir una afirmación tan rotunda como la de Paul McCartney acerca de este disco, del cual decía que es el mejor disco vocal jamás grabado. Pero sí diré que es un auténtico gustazo escuchar a estos maestros de las armonías vocales. Fue el primer disco con el que el exigente Brian Wilson, indiscutible principal compositor del grupo, se sintió satisfecho. Incluso se podría decir que es un disco de Brian Wilson, debido a la poca participación del resto de integrantes. Ironías de la vida, también fue el primer gran fracaso comercial de los Beach Boys, pero con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los discos más importantes de la historia del pop, y de los más influyentes.

Para la grabación de este álbum, Wilson contrató a todo un elenco de músicos (alrededor de 50, tocando desde instrumentos orientales hasta botellas de coca-cola) para crear lo que él quería, una especie de grandioso disco redondo e insuperable, queriendo abarcar múltiples estilos (folk, pop, rock, balada...) y lo consiguió, realizo una obra maestra que creó problemas en el seno del grupo debido al alto grado de entrega y meticulosidad que Wilson exigía. Incluso la propia discográfica se preocupó, pensando que se trataba de otra de las cada vez más frecuentes excentricidades de Brian Wilson. La temática del álbum habla de una relación amorosa, desde su inicio hasta la llegada a su fin.

La mecha que encendió la idea de crear un álbum tan ambicioso fue la gran influencia que repercutió en Wilson el álbum Rubber Soul de los Beatles. Simplemente, quería superarlo, ya que el álbum de los de Liverpool le parecía increíblemente bueno.

Hay por ahí quien dice que después de este disco, Wilson quedó tan exhausto debido al alto nivel de auto-exigencia que se impuso, que se volvió medio loco, no volviendo a ser él mismo convirtiéndose en alguien introvertido y poco a poco, acabó recluyéndose en su casa. Tras realizar este disco el mundo entero se enteró de que Brian detestaba el surf.

Mi asignatura pendiente es comprarlo de una vez, cada vez que paso por la Fnac y lo veo a 7 insultantes euros...

Alberta Cross -The Thief And The Heartbreaker (2007)

2008-12-15T03:04:00.000-08:00

Detrás de Alberta Cross se esconden los nombres de Peter Ericson Stakee y Terry Wolfers, unos londinenses afincados en Nueva York, que una vez allí reclutaron al resto de gente para formar el grupo. Con la creación de este cortito album de 7 canciones han generado espectación dentro de los círculos roots, alt-country o como demonios se quiera etiquetar.

Es un disco que me encanta. No han creado nada nuevo, pero han sabido lavar muy bien la cara y el sonido al rock sureño de espiga en la boca con unos temas sobresalientes, tan buenos como bien grabados (y eso que es un disco autoproducido).

Han sabido mezclar tradición con modernidad. Cuando escuchas este disco, te parece estar escuchando al Neil Young del Harvest o del After the Gold Rush en temas como Hard Breaks, Low Man o el homónimo, aunque también encuentras cambios de registro con la preciosa balada I´ve Known For So Long, y de repente, te parece estar escuchando a un sentido Layne Staley poco antes de decir adiós a este mundo. Cuando un grupo nuevo empieza con tan buen pie, queda esperar a que saquen el siempre decisivo segundo disco. Yo confío en que no defraudarán.

The Thief And The Heartbreaker sabe a poco, y es normal puesto que no llega a la media hora de duración. Pero ya sabes; lo bueno, si breve...

David Bowie -Hunky Dory (1971)

2008-12-08T03:57:00.000-08:00

Ziggy, Aladdin Sane, el Duque Blanco, el rockero, el chico bueno... cualquier adjetivo cabe y ha cabido en este gran artista con letras mayúsculas. Característico por absorber influencias de muy diversas fuentes, podemos considerar a Bowie uno de los iconos de la música popular del siglo XX. Como bien grita uno de sus temazos, los ch-ch-changes son la máxima de Bowie, el cual ha sabido regenerarse y volver a nacer en cada uno de sus discos y de sus etapas, ya no sólo en el terreno musical sino también en el estético.

A mí, por esa razón, la de no cerrarse a nada, experimentar, crear y estar en constante evolución buscando esa autorrealización artística, merece el más grande de mis respetos. Bowie es un gran culo inquieto, y eso a veces le ha provocado realizar algún mal disco (incluso aborrecedor) que pasa desapercibido como es obvio, pero la gran calidad que prima en su discografía eclipsa en muchos casos la sequía creativa por la que pasó en gran parte de los ochenta.

Después de esta lamentable presentación a modo de introducción, me dispongo a comentar uno de sus mejores trabajos; Hunky Dory.

Un disco prácticamente redondo. A excepción de un tema o dos que considero buenos, pero no al nivel que desgasta el resto. Qué decir de Changes, la nana Life on mars?, Oh you Pretty Things, Quicksand... Composiciones que dejan claro su enorme talento, canciones bañadas con un tinte acústico pop-rockiano, melodías deliciosas, incluso con algún tema cercano al folk. Encontramos algún que otro tributo, Bowie rinde homenaje a dos personajes admirados por él en este disco, Bob Dylan y Andy Warhol. Además, Kooks fue una canción dedicada a su hijo que acababa de nacer por aquel entonces. La guinda del pastel es la colaboración del mago Wakeman a los teclados.

Ideal para escuchar una mañana festiva tumbado en la cama. Supongo que por la luz blanca que me transmite. Es uno de esos discos que me pone contento.

El final del disco, en la última parte de The Bewlay Brothers, cuando esas voces graves y agudas entonan a la par de una manera teatral, sombría y cómica aquello de "Lay me place and bake me Pie I´m starving for me Gravy..." me pone los pelos como escarpias.

Grande.

King Crimson -Larks´ Tongues In Aspic (1973)¨

2008-12-03T01:58:00.000-08:00

Parece que hoy tengo vena progresiva, sonaba un aleatorio de música en el ordenador y me he topado con un tema de King Crimson, a los cuales tengo algo abandonados involuntariamente (son cosas que pasan) y hoy, escuchando casualmente Formentera Lady he pensado mientras subía el volumen lo tremendamente buena que era esta gente en su primera/media etapa. Así que les voy a hacer justicia comentando uno de los discos que, sabiendo que no es el mejor de su cosecha, tiene muchos momentos que me hacen delirar como pocos.

Lark´s Tongues In Aspic en absoluto es un disco de fácil escucha, a mi modo de ver requiere un sumergimiento al 100% poniendo todos los sentidos en ello. La mejor manera que se me ocurre para definirlo es que es una gran improvisación matemática.

Abre y cierra el disco Lark´s Tongues In Aspic, Pt.1 y 2. La primera es un gran crescendo que te avecina el rumbo que más adelante adopta la canción. Presencia de violines ejecutados por un impecable David Cross, que por cierto, King Crimson es conocido por ser un prostíbulo de formación, y todos los miembros en este disco son nuevos respecto al anterior excepto el cabeza pensante Robert Fripp, alma del grupo que es quien corta el bacalao y recluta o echa a los músicos de altos vuelos que pasan por sus filas.

El tema Pt.2 es el más puramente progresivo en cuanto a compases y métricas se refiere. Aparte, da la sensación de que es el más compacto. Los dos son temas instrumentales, y bastante largos.

A mi modo de ver, el mejor fichaje que realizó Fripp en este disco (y que perduró bastantes más) fue Bill Bruford, el genial batería que tras grabar Close to the Edge y Fragile, de Yes (casi nada) se aventuró con Crimson, cosa que no debió sentar demasiado bien a Wakeman, Squire y compañía. Bruford es de los mejores baterías que he escuchado, y su aportación en este disco me parece muy inteligente, sin dejarse llevar por el pecado que cometen casi todos los músicos virtuosos, que es recargar sin ningún sentido.

También contiene uno de mis temas preferidos de esta etapa, Easy Money, tema divertido con una genial base rítmica. The talking drum es el tema que da obertura a Lark´s Pt.2, que es un brutal crescendo algo arabesco que parte desde la nada y desemboca en un prolongado chillido de violín y guitarra enlazando con el último tema. Me pone los pelos de punta.

Una joyita, pero recalco que de paciente escucha y para momentos puntuales. No es un disco para salir por ahí de cubatas.

Pink Floyd -The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

2008-12-02T15:42:00.000-08:00

Y qué mejor manera de inaugurar un blog que con un plato fuerte de estas características. The Piper At The Gates Of Dawn es considerado uno de los grandes discos no sólo de Pink Floyd, sino de aquellos que han dejado huella en la concepción de lo que se entiende como rock psicodélico.

Es como decir la Biblia de la psicodelia. Muy influenciados por los Beatles místicos y alucinógenos de la etapa Sgt. Pepper (de hecho existe la anécdota de que Beatles y Floyd estaban grabando estos álbumes a la vez en los estudios Abbey Road, y ambos se influenciaron mutuamente para sacar sendos resultados musicales). El mayor halago que Paul McCartney pudo echar a los Floyd en aquel momento es que Piper era el sucesor de Pepper.

Obviamente es un disco muy influenciado por las drogas y en especial por el LSD, las largas improvisaciones instrumentales (Interestellar Overdrive, Pow R Toc H) hacían las maravillas y el delirio de todos aquellos jóvenes que se agolpaban en sus conciertos teniéndoles como gurús del LSD (entre ellos David Bowie o Marc Bolan, de T.Rex).

Este disco es la pura esencia de la frágil e infantil genialidad de Syd Barrett, alma y principal compositor de la banda por aquel entonces. La música de este disco está a otro nivel, en otra dimensión... es como si observaras pintar a Barrett sobre un lienzo blanco aleatoriamente con colores llamativos, creando una obra de arte que cuanto más la observas más grande te das cuenta que és. Ni sé la de veces que habré escuchado este disco, pero cada vez que suena encuentro pinceladas que habían pasado desapercibidas.

Tremendo.

¿Qué tal? que diría Indio a un camarero

2008-12-02T14:31:00.000-08:00

Me estreno en el mundo de los blogs con la inofensiva intención de desahogarme compartiendo contigo una serie de discos, las impresiones que me producen, lo que me transmiten, algún dato que otro... en fin, todo lo que me pase por los pies y tenga que ver con la música, una palabra desgastada, y es que, ¿a quién no le gusta la música?